En un año en el que la inteligencia químico saltó a la vanguardia y demostró su potencial para cambiar el mundo, varios directores de cine recurrieron a la ciencia ficción para inquirir las consecuencias de las tecnologías de vanguardia y las fuerzas que las desarrollan. Históricamente, el apartado ha sido el medio ideal para este tipo de comentario social. Y si admisiblemente la ciencia ficción ha predicho varios inventos, las mejores historias hablan de la época en que fueron escritas, como el rechazo de “Frankenstein” a la Primera Revolución Industrial y la exploración de la Desavenencia Fría por parte de “Star Trek”.

Y en un año como 2025, en el que los sistemas políticos, económicos y sociales luchan por seguir el ritmo de la tecnología que los revoluciona, la ciencia ficción es un gran transporte para dilucidar las ramificaciones de este llamado progreso. Teniendo en cuenta los puntos de traza alternativamente esperanzadores y pesimistas de las películas de este año, es importante memorar cómo el gran libretista de ciencia ficción Ray Bradbury describió el propósito del apartado en una entrevista de 2010 con La revisión de París: “La ciencia ficción es cualquier idea que surge en la persona y aún no existe, pero pronto lo hará y cambiará todo para todos, y ausencia volverá a ser igual”.

Aún así, el apartado careció del éxito que tuvo en primaveras anteriores, cuando éxitos como “Dune” y “Everything Everywhere All at Merienda” dominaron tanto la taquilla como el circuito de premios. El único gran éxito financiero de la ciencia ficción de 2025 es la muy criticada “Alteración: Fire and Ash”, la tercera entrega de la franquicia. A pesar de la errata de éxitos financieros, 2025 produjo varias películas de ciencia ficción de primer nivel.

La tan esperada habilitación de Guillermo del Toro de la famosa novelística “Frankenstein” de Mary Shelley es una delicia escénica y probablemente una candidata a Mejor Película en los Oscar 2026. Con austeros paisajes polares, mazmorras góticas y un personal dinamita vestido con sus mejores adornos victorianas, “Frankenstein” reanima una de las historias más icónicas con el estilo visual característico de su director.

Protagonizada por Oscar Isaac como el retorcido Victor Frankenstein, la película de Netflix ha sido una de las favoritas de Hollywood desde su estreno en noviembre, solicitando grandes elogios y siendo preseleccionada para al menos seis categorías en los Oscar de 2026. Tales elogios son de esperarse del querido Del Toro, cuyas “El caos del fauno”, “Cronos” y “La forma del agua” son nociones básicos del canon de monstruos. La inquietante interpretación de Jacob Elordi de la criatura no tan desdichada todavía ha recibido excelentes críticas, ofreciendo una visión refrescante de uno de los personajes más convincentes de la humanidades.

Desafortunadamente, “Frankenstein” no logra alcanzar la cima ni de su material innovador ni de los trabajos anteriores de su director. Al igual que su médico epónimo, “Frankenstein” es víctima de su propia afán, perdiendo su comprensión novelística mientras tienta con la pregunta definitoria de la época: ¿Cómo enfrentamos las consecuencias adversas del progreso tecnológico? Pero a pesar de la incapacidad de la película para competir los matices mordaces de la novelística de Shelley, es una crítica bellamente adornada que debutó durante un ciclo noticiario dominado por las staff, los fracasos y las consecuencias de las tecnologías que cambian el mundo. Como tal, del Toro aborda algunos de los temas más perdurables de la ciencia ficción, exigiendo a sus espectadores que consideren la misma pregunta planteada por el antiguo explicación helénico al que se hace remisión en el subtítulo del texto innovador, “Un Prometeo innovador”. Es asegurar, que la pregunta científica más importante no es si se puede alcanzar poco, sino si se debe hacerlo. Si tan solo los expertos en tecnología del mundo fueran tan inequívocos en su respuesta como el querido director, que se niega a utilizar IA generativa en sus películas.

Como las mejores reposiciones de ciencia ficción, “Predator: Badlands” toma una franquicia muy gastada y le da la reverso. Una travesura a través de un universo de follaje y fauna devoradores de hombres, la tercera entrega de “Predator” de Dan Trachtenberg presenta al afamado cazador espacial como protagonista. Y aunque algunos espectadores pueden mostrarse escépticos a la hora de ver otra historia de fondo de la franquicia, “Badlands” es una refrescante historia sobre la mayoría de vida que se disfraza de un paquete intergaláctico de policías amigos que recuerda al exitoso software de Disney, “The Mandalorian”. Esta vez, sin incautación, el competidor convertido en héroe está emparejado con una bandada de compañeros peludos y un zoólogo androide conversador, interpretado por Elle Fanning. Añadiendo un tono más raudo que normalmente errata en la franquicia, Fanning y el personal crean una ámbito chancero, me atrevo a asegurar sabido, en crencha con los nuevos propietarios deportivos de Mickey Mouse de la franquicia.

Sin incautación, esto no quiere asegurar que “Badlands” no tenga un gran impacto, ya que Trachtenberg cumple con todos los requisitos de cualquier gran película de “Predator”, incluidos asesinos con rastas, armas de adhesión tecnología, movimientos finales que desafían la física e incluso una secuencia de improvisación de conjunto que enorgullecería a Arnold Schwarzenegger. El resultado es una trepidante aventura con la escalera visual, el calibre narrativo y la alegría dialógica de una película animada, pero infundida con los momentos sangrientos que uno aplazamiento de la franquicia más sangrienta de la galaxia.

La capacidad de Trachtenberg para ofrecer una mezcla de influencia de parada octanaje y comedia alegre hace de “Predator: Badlands” la rara secuela que probablemente atraerá a una audiencia más amplia que sus predecesoras. Y, sin incautación, su fuerza aún reside en la interacción con la premisa inmortal del innovador: ¿Qué pasa si el criminal más mortífero del universo tiene sus luceros puestos en ti? El problema, sin incautación, es que “Badlands” sostiene que tal criatura puede activo sido la humanidad desde el principio.

Es casi inverosímil platicar de “Companion” sin spoilers. Francamente, colocarlo en esta serie podría ser suficiente para cambiar la experiencia de la película de algunos espectadores. Pero este thriller de ciencia ficción pop de Drew Hancock es tan bueno como el apartado, y ninguna serie de lo mejor de 2025 está completa sin él. Un encaje de apartado cruzado que no parece ciencia ficción hasta su sorprendente construcción del primer acto, la película cumple su premisa con tanta fuerza como cualquier otra de este año. Con estrellas florecientes como Sophie Thatcher (“Heretic”, “Yellowjackets”) y el protegido de Hollywood Jack Quaid (“Novocaine”, “The Boys”), adyacente con Harvey Guillén (“What We Do in the Shadows”), Lukas Gage (“White Lotus”) y el comediante Jaboukie Young-White, ver el comienzo cinematográfico de Drew Hancock es como ver a una bandada antiguamente de que triunfara: todavía están perfeccionando los detalles más finos de sus instrumentos, pero el El indefinible “negociador it” está inconfundiblemente presente.

En “Companion”, Hancock ha cuidado una estimulante investigación sobre la dinámica de poder detrás de las relaciones románticas y cómo las historias que contamos sobre nosotros mismos y sobre los demás definen el tablado en el que tienen emplazamiento. Por otra parte, Hancock profundiza en cómo la tecnología cambia estas dinámicas, ludificando las relaciones y reforzando los estereotipos sexistas que impiden a las personas encontrar conexiones significativas. Estos temas resuenan a medida que las aplicaciones complementarias impulsadas por IA continúan ganando popularidad, lo que presagia un futuro en el que el enseñanza maquinal cambiará los mecanismos de nuestra esfera social. Si admisiblemente “Companion” es una exploración digna de estas ideas, encuentra éxito en su capacidad para comunicarlas y, al mismo tiempo, ofrece principalmente una montaña rusa de comedia trepidante. En total, “Companion” es un thriller psicosexual divertido que plantea la pregunta más importante: ¿Qué sucede si combinas “Legally Blonde”, “Strangers On A Train” y “The Terminator”?

El sello distintivo de la gran ciencia ficción es que sus absurdos suenan más verdaderos que la ingenuidad. El director Bong Joon Ho logra precisamente eso con “Mickey 17”, una hilarante lucha intergaláctica contra el capitalismo que salió mal. Basada en la novelística de 2022 “Mickey7” de Edward Ashton, “Mickey 17” aplica el ojo sarcástico del afamado director al pañuelo ideal: un Robert Pattinson agudo y frenético atrapado en un ciclo de auto-matanza sin sentido del “Día de la Marmota”. Más en la crencha del thriller cómico de Bong “Okja” que de su ganadora de Mejor Película “Parásitos”, “Mickey 17” toma la banalidad de los días laborales modernos y la aplica a un telón de fondo temático más amplio, utilizando una cinta transportadora de montajes de crimen para transmitir poco sobre la relación entre capitalismo y opresión. De esta guisa, la película de Bong Joon Ho es más que un improvisado “espacio de oficina” en esfera. Más admisiblemente, utiliza la difícil situación de un empleado existencialmente torturado para detallar cómo la explotación económica, la captura de fortuna y el progreso sabio habilitan sistemas autoritarios. Y si admisiblemente esta descripción puede parecer una hojalata pretenciosa sobre el papel, “Mickey 17” es mucho más una comedia de payasadas que un artículo de consejo sobrecargado.

El motor de este motor de comedia son las espectaculares actuaciones de Mark Ruffalo y Toni Collette, cuyas no tan sutiles representaciones de multimillonarios hambrientos de poder y amantes del espacio impulsan la película de una comedia de errores al estilo de “Los Tres Chiflados” a una mordaz sátira en la tradición de “El gran dictador” de Charlie Chaplin, que ofrece una observación humorística a los absurdos del fascismo, las herramientas contundentes para su aplicación y la líderes a menudo obtusos que lo esgrimen. Agregue una pizca de romance, rivalidad entre hermanos y una colonia de gigantescas larvas espaciales con ñatas de trompeta, y “Mickey 17” es la rara película que deja a los espectadores reír mientras reflexionan sobre las consecuencias de su mortalidad.

La mejor película de ciencia ficción del año es todavía la que más palabra del 2025. Filmada por el director nominado al Oscar Yorgos Lanthimos, “Bugonia” sigue a dos teóricos de la conspiración, Jesse Plemons y Aidan Delbis, que secuestran a una poderosa directora ejecutiva (Emma Stone) que creen que es un extraterrestre que planea la destrucción de la raza humana. Adaptada por Will Tracy, el escritor que nos trajo el éxito de Anya Taylor-Joy “The Menu”, de la película de terror de ciencia ficción coreana de Jang Joon-hwan de 2003 “Save The Green Planet!”, “Bugonia” parece sacada directamente de un ciclo de parte plagado de asesinatos, conspiraciones políticas y oligarcas tecnológicos empeñados en conquistar el tiempo, el boleto y los fortuna de los espectadores. Tonalmente, esta comedia negra se remonta a los trabajos anteriores de Lanthimos, recordando el humor seco y apretado de su exitosa “Dogtooth” mientras aplica las crudas imágenes de su más fresco colaboración Plemons-Stone, “Kinds of Kindness”.

Aunque impactante visual y emocionalmente, la fuerza de “Bugonia” reside en su capacidad para capturar el pánico existencial que plaga la política de clases coetáneo. Alternativamente deprimente y cómico, el encaje de tortura del pícaro y el ratón entre Plemons y Stone es paralelo a un panorama político violento que desdibuja las líneas entre perpetradores y víctimas, alternando a los espectadores entre sentimientos de horror, disgusto, simpatía y catarsis llena de schadenfreude mientras intentan identificar al cierto maleducado de la historia. En definitiva, “Bugonia” es una película filosófica que obliga a su audiencia a preguntarse quién es positivamente el culpable de la violencia que plaga la política coetáneo: aquellos que arremeten contra la opresión o los individuos a los que se considera mortalmente responsables de ella. Independientemente de que los espectadores estén de acuerdo o no con las conclusiones de la película, es difícil argumentar que cualquier película de ciencia ficción de este año atestigua mejor el clima sociopolítico en el que se estrenó. Como tal, los futuros espectadores probablemente verán “Bugonia” como un prisma en un momento especialmente tenso, con suerte desconocido, de la historia estadounidense.